24.9.17

El legado intelectual del poeta y teórico Ronald Kay

Vía Culto, La Tercera.

Por Aldo Perán.

Ex pareja de Pina Bausch, murió el jueves a los 76 años. Sus funerales se realizarán hoy. Editor de la mítica revista Manuscritos, su último proyecto fue una obra con Raúl Zurita.

La historia comenzó así: en un tour por Sudamérica en 1980, Pina Bausch conoció a quien sería su pareja hasta el final de su vida. Los días que la reconocida coreógrafa pasó en Chile fueron suficientes para que el poeta Ronald Kay decidiera dar un giro en su vida y mudarse a Wuppertal (Alemania). Un año después nació Rolf Solomon, su único hijo.

Nacido en Hamburgo en 1941, hijo de padre alemán y madre chilena, llegó a Santiago en 1947, finalizada la Segunda Guerra Mundial. Poeta, teórico y artista visual, Ronald Kay murió el jueves, a los 76 años, tras un prolongado cáncer. Sus funerales serán hoy en el Parque del Recuerdo.

La trayectoria intelectual de Kay comenzó en la Escuela de Derecho de la Universidad de Chile, donde conoció a Raúl Ruiz, uno de sus grandes amigos. En 1960 abandonó los estudios y partió a Oxford por un año. A su regreso, ingresó al Instituto Pedagógico de la U. de Chile, donde conoció, entre otros, a Gonzalo Millán.

En 1968, ya casado con Catalina, la hija mayor de Nicanor Parra, obtiene una beca de la DAAD alemana para estudiar en la universidad de Constanza. Durante su estadía en Alemania, conoció a Wolf Vostell, uno de los artistas alemanes más importantes del siglo XX. Vostell hablaba español, por lo que establecieron una fluida comunicación. Ronald Kay escribió un ensayo sobre uno de sus trabajos en 1972, el año de su retorno a Chile. Desde entonces, establecerán una extensa relación epistolar, la que los llevará en 1977 a inaugurar una de las primeras exposiciones de arte realizadas luego del Golpe de Estado.

El año anterior, el artista de Fluxus presentó en la sexta versión de la feria de arte Documenta (Kassel) un proyecto titulado El huevo. La instalación llegó a Chile acompañada de catálogos y otros materiales que hicieron escuela en las generaciones de artistas jóvenes.

El huevo era una crítica a la violaciones a los derechos humanos. Sin embargo, esa no fue la primera vez que Ronald Kay demostró ser un pionero en el campo cultural chileno. Luego de su retorno al país en 1972, Cristián Huneeus, director del Departamento de Estudios Humanísticos de la U. de Chile, le invitó a ser parte de la planta académica. Fue en esas clases donde algunos estudiantes escucharon a Kay hablar de Rimbaud, Mallarmé, Heidegger y discutieron traducciones de Walter Benjamin y Michel Foucault. Al mismo tiempo, compraron una máquina impresora que instalaron en el subterráneo de República 475 y comenzaron a imprimir materiales de uso privado, pero también publicaron libros y, en 1975, la revista Manuscritos, donde Kay recuperó los Quebrantahuesos de Nicanor Parra. La revista sólo tuvo un número: a las autoridades militares no les hizo gracia el contenido. Un segundo número, donde iban algunos inéditos de Juan Luis Martínez, quedó a la deriva.

Su importancia en el campo de las artes es indudable. Para la académica y fotógrafa Andrea Josch, “sus desbordes y descalces con la poesía, la filosofía, la performance y, sobre todo, con la incorporación de lo popular, es un aporte inédito a la comprensión del arte latinoamericano”.

Sergio Parra, poeta y librero, afirma que “era una figura mítica y ausente a fines de los 80, pero su libros de poemas, Variaciones Ornamentales junto a la revista Manuscritos, circulaban de mano en mano”. Y recuerda: “A fines de los 90 tuvimos un primer encuentro, en el Venezia, donde comimos unos buenos perniles con papas cocidas y harto pebre, mientras la conversación se centraba en la poesía chilena, un tema que lo apasionó hasta el último día”.

Raúl Zurita, desde Nueva York, siente profundamente su pérdida: “Era alguien demasiado brillante como para que vivir le fuera fácil y sin él no se explicaría nada del arte chileno a partir de los setenta. La vida nos acercó y nos alejó, pero en los último diez años estuvimos profundamente unidos y estábamos haciendo una obra juntos. La maqueta de Ronald estaba lista, así que ese proyecto será nuestro último abrazo”.

Para el galerista Pedro Montes, es indispensable “recalcar su calidad humana, su rigurosidad en el trabajo y su persistencia para sacar adelante proyectos de poesía y arte de gran valor”. Trabajaron juntos en un libro de Juan Luis Martínez y en una exposición del mismo Kay. Sin embargo, el proyecto más apasionante fue convencer a Diego Maquieira, quien no había publicado un libro en 20 años, para sacar adelante el libro El Annapurna, en 2013.

Volvió a Chile luego de la muerte de Pina Bausch, en 2009. Durante sus últimos años, Kay dedicó su trabajo a investigar y repensar -en el más completo silencio- las lineas de Nazca y la obra del escultor Lorenzo Berg. Sergio Parra sentencia: “Ronald se fue de éste mundo como un poeta. Sin hacer ruido” .

12.9.17

El arte sin freno de Hélio Oiticica

Vía El País.

Hélio Oiticica, que protagoniza una retrospectiva en el Museo Whitney, llevó al límite la integración creativa con el entorno y las pasiones

Por Eduardo Lago
11 SEP 2017 - 19:26 CEST


Sala del Whitney con obras de Hélio Oiticica. Ron Amstutz

Una de las exposiciones más especiales de todo el verano neoyorquino, y una de las más concurridas, probablemente sea Organizar el delirio, exquisita retrospectiva que el Museo Whitney ha dedicado a la obra del brasileño Hélio Oiticica (1937-1980), artista fundamental del siglo XX, cuya reputación a escala internacional no ha dejado de crecer desde que falleció de manera repentina a los 42 años, víctima de un accidente cardiovascular. Oiticica fue una figura importante en Brasil, donde formó parte de movimientos como el Grupo Frente, el neoconcretismo y sobre todo el tropicalismo, que fundó con Caetano Veloso. “Organizar el delirio”, expresión de Haroldo de Campos, poeta muy próximo al artista, resume a la perfección el sentido de una obra de una radicalidad política y estética explosivas. En 2009 se produjo un incendio en la casa familiar donde se guardaba provisionalmente el legado del artista, perdiéndose la mayoría de su obra, por lo que gran parte de la muestra es el resultado de un meticuloso proceso de reconstrucción.

De convicciones anarquistas, festivo y visceral, Oiticica fue tan inventivo como riguroso en sus planteamientos. Pocos artistas han llegado tan lejos como él en sus investigaciones sobre la naturaleza del color en relación con el tiempo, la luz, la arquitectura o la geometría. Sus trabajos pictóricos (Secos, Metaesquemas, Bilaterales, Invenciones), algunos realizados cuando tenía tan sólo 18 años, son de una delicadeza, frescura y perfección que siguen sorprendiendo hoy. A partir de ellos, la muestra da cuenta de la lucha de Oiticica por liberar a la pintura de sus limitaciones espaciales intentando hacer de ella un instrumento de intervención social, capaz de integrar sensorialmente la creación artística con el entorno y con las pasiones del cuerpo. La originalísima exploración estética de Oiticica le obligó a concebir un vocabulario especial para sus insólitas creaciones. Los bólides (bolas de fuego) son estructuras-objeto construidas con gran diversidad de materiales que buscan implicar al espectador invitándolo a manipularlas. Los parangolés eran capas de tela sintética en las que los bailarines de la escuela de samba de la favela de Mangueira para quienes fueron diseñadas se enfundaban, integrando así su cuerpo en movimiento en la propia obra de arte. Los penetrables son construcciones precarias, inspiradas directamente en la arquitectura de las favelas.

Independientemente del formato, Oiticica quería que sus obras fueran olidas, tocadas, oídas, gozadas visualmente, vestidas o penetradas, en una palabra, usadas por quien se acercaba a ellas. Su hábitat natural eran los espacios públicos. En una ocasión en que los miembros de la escuela de samba de Mangueira se presentaron en el Museo de Río de Janeiro bailando envueltos en parangolés fueron expulsados, continuando su festiva intervención en la calle. La idea de los penetrables es adentrarse en estructuras que no se sabe bien adónde pueden llevar. Los hay de signo muy diverso. El Projeto Cães de Caça, de 1961 (el nombre designa a las estrellas de la constelación de Orión), consta de cinco penetrables de distintos colores que conforman un jardín mágico con áreas destinadas a la experimentación de la música, la poesía o el teatro. El Cuadrado mágico (1978) es un penetrable al aire libre de una belleza visual sobrecogedora.

Entre las piezas más idiosincráticas de Oiticica figuran las cosmococas, creadas en colaboración con su amigo Neville D’Almeida. Se trata de obras directamente realizadas con rayas de cocaína que siguen distintos trazados, como los rasgos del rostro de Jimi Hendrix que aparece en la portada de uno de sus elepés, trabajo realizado por Oiticica en Nueva York. Los años que pasó en esta ciudad (1970-1978) fueron un periodo intenso durante el cual el artista operó en gran medida al margen de las instituciones. Su loft de la Segunda Avenida era un espacio abierto a la experimentación en el que propició gran diversidad de proyectos, como los cuasicinemas (historias visuales en bruto, a mitad de camino entre el cine y la fotografía), o los babilónicos (nidos o refugios propicios a la provocación del acto estético a salvo del peligroso contexto de las calles del babilónico Manhattan).h

Oiticica era homosexual y el Nueva York posterior a Stonewall le permitió expresar su identidad como no le había sido posible hacerlo nunca antes. Le tocó vivir una ciudad doble: por una parte, Nueva York atravesaba una de las etapas más duras e infernales de su historia, abandonada a su suerte por el Gobierno federal en medio de un estado de decrepitud extrema, con el trasfondo perenne de incendios provocados por intereses inmobiliarios. Simultáneamente, la ciudad vivía una explosión de creatividad musical y artística que jamás se ha vuelto a dar. En Río de Janeiro, Oiticica, que procedía de una familia privilegiada, había hecho de las favelas su centro de gravedad artístico.

De manera parecida, en Nueva York adoptó como escenario de su creatividad el barrio más peligroso, el South Bronx, uniendo así política y estéticamente a los destituidos de los dos enclaves, logrando ser aceptado por los miembros de las gangs del Bronx de manera semejante a como había conseguido relacionarse con los criminales de las favelas, arrastrándolos milagrosamente en ambos casos hacia sus propuestas estéticas y haciendo bueno el lema por el que es más conocido: “Sé marginal, sé un héroe” (la enseña, impresa en un estandarte rojo con la silueta de un delincuente abatido a tiros por la policía de Río, cuelga incongruentemente de una de las paredes asépticas del Whitney).

La marginación que vivió Oiticica en Nueva York no fue simbólica. Además de servirse de la cocaína como material artístico, Oiticica la consumió desaforadamente y traficó con ella, idealizando su poder de redención en sus escritos (coincidiendo con las posturas de Mick Jagger y Lou Reed hacia la morfina o la heroína). Por supuesto, las grandes instalaciones históricas de Oiticica, como Tropicália (1967) y Edén (1969), constituyen la parte central de Organizar el delirio. Son sus obras más importantes y por tanto las más conocidas y comentadas. Junto con Rijanviera (1979), instalación inspirada en Finnegans Wake que el artista completó poco antes de morir, se trata de obras que invitan al espectador a penetrar en las zonas que las integran (playas, ríos, la flora, la fauna y la simbología mítica de Brasil, contempladas con burlona ironía). Perderse en ellas es una experiencia irrepetible. Con todo, es en las secciones dedicadas al trabajo realizado en Nueva York donde se encuentran las claves más profundas y también las más perturbadoras de su arte.

11.9.17

Patrimonio fantasma: desaparecen palacios y casonas en sector centro

Vía El Mercurio de Antofagasta, 27 de agosto de 2017.



HISTORIA. Estas hermosas y llamativas construcciones dieron paso a nuevos edificios o quedaron convertidas en estacionamientos. Arquitecto pide proteger inmuebles antiguos.

Por C. Castro Orozco



En lo que va del año, Antofagasta ha perdido dos antiguos inmuebles en el sector centro. A pesar que no figuraban en la categoría de monumentos históricos, eran considerados como valiosos patrimonios de la ciudad.

El primero fue una vieja casona ubicada a un costado del Parque Brasil conocida como "la casa de los gatos" (ver recuadro), seguido por el ex Hotel Royal, construcciones que comenzaron a ser demolidas ante la resignación ciudadana.

Pero éstos no son los únicos casos, la mayoría de las antiguas residencias de la ciudad desaparecieron por la propia acción del tiempo, porque se incendiaron o simplemente fueron botadas para dar paso a nuevas edificaciones o proyectos inmobiliarios.

Zona de conservación

Ahora, una serie de edificios patrimoniales esperan un incierto destino, ya que no están protegidos por el Consejo de Monumentos Nacionales (CMN).

"La Casa Jiménez, Casa Camus, la ex Estación Valdivia, el ex Colegio Inglés [protegido por Zona Típica], el edificio del ISCA y otros tantos inmuebles no están protegidos ante una eventual demolición. A lo más [algunos] figuran dentro de la zona de protección del plan regulador", explicó el arquitecto de la Universidad Católica del Norte, Claudio Galeno.

El académico advirtió que estar dentro de la zona de resguardo del plan regulador no garantiza su rescate definitivo, ya que igual las casas pueden desaparecer si sus propietarios así lo deciden.

Sobre este punto, el nuevo presidente regional de la Cámara Chilena de la Construcción, Andrew Trench, dijo que el plan regulador debiese establecer los puntos del crecimiento de la ciudad y en dónde hay que respetar el patrimonio, condenando la desaparición de los inmuebles emblemáticos durante el último tiempo.

[Algunos de] Los edificios e inmuebles que sí están protegidos por el CNM en Antofagasta son Casa Abaroa, casas Dauelsberg & Cable West Coast, Cuartel General de Bomberos, Museo Regional, Casa de la Cultura, Casa Estación Antofagasta, Estación Ferrocarril Antofagasta, edificio Correos Chile, Gobernación Marítima y Resguardo Marítimo, Muelle Histórico y las Ruinas de Huanchaca.

2 casonas patrimoniales fueron demolidas este año. La primera fue un centenario inmueble ubicado en el Parque Brasil y en abril se comenzó a derribar el exHotel Royal.

1950 fue demolido el "castillo de Abd El-Kader", el cual ostentaba una arquitectura árabe y que había sido construido en 1895. Hasta ahora aún se mantiene la base del antiguo inmueble.

111 años de historia tenía el edificio del Club de la Unión en pleno centro de Antofagasta, que fue devorado por un incendio en octubre de 2015. Ahora en su lugar hay una feria.

Alcaldesa Rojo y ex Cine Nacional: “Queremos proteger los pocos patrimonios que tenemos"

Vía El Nortero.



Posible venta del inmueble preocupa a la comunidad.

08 de Septiembre, 2017

Fuimos miles de los antofagastinos que disfrutamos de las extensas funciones en el Cine Nacional de Antofagasta. Durante cada función todos los participantes de aquellas inolvidables jornadas fuimos cobijados en el imponente y tradicional edificio ubicado en pleno centro de la ciudad.

Pero, ante el riesgo de que esta tradicional edificación pueda ser demolida, debido a que los dueños del inmueble decidieron vender la construcción, es que la alcaldesa de la capital regional, Karen Rojo, junto al Concejo Municipal decidieron apoyar la solicitud que realizará la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica del Norte para declarar como Monumento Nacional el edificio del inolvidable ex Cine Nacional.

Frente a esta situación el Consejo de Monumentos Nacionales solicitó el pronunciamiento a la primera autoridad comunal.

“Afortunadamente la respuesta fue favorable por parte del concejo. De manera mayoritaria la decisión fue apoyar esta iniciativa de tal forma que permita proteger este patrimonio que es de la comuna de Antofagasta. Este es un paso inicial, sin embargo nosotros entendemos que esto no es una decisión que involucra solamente al Concejo Municipal si no que es una decisión que tiene que tomar el Consejo de Monumentos Nacionales. Esperamos que vaya en la línea de proteger los pocos patrimonios que tenemos aquí en la comuna de Antofagasta”, señaló Karen Rojo.

EX CINE NACIONAL

El ex Cine Nacional dejó de funcionar el 28 de enero de 2003. La arquitectura de este edificio representa el pasado de la ciudad en torno a los espacios de ocio de la bonanza del salitre. El Teatro Nacional, construido durante la década del treinta, es uno de los mejores ejemplos del art-déco en Antofagasta. Sus arquitectos fueron Gustavo Monckeberg y José Aracena, quienes tuvieron una trayectoria de diseños de teatros.

Investigador de la Universidad Andrés Bello cataloga antiguos cines de Chile para recuperarlos

Vía El Mercurio de Santiago, domingo, 10 de septiembre de 2017, Reportajes.

La investigación titulada "Chile en proyección: inventario y valoración de antiguas salas de cine" forma parte de un Fondart y contempla la confección de un inventario de las salas de cine más importantes del país, con el objetivo de dar a conocer, sensibilizar y plantear una reflexión sobre cómo reutilizarlas preservando su apariencia original.

A comienzos del siglo XX, Chile fue epicentro de la cultura. Los cines abundaban por las calles centrales de las principales regiones del país, llegando incluso a haber cuatro salas en una misma cuadra. Ese fue el caso de la calle Huérfanos en Santiago, donde el Rex, Astor, Ópera y Lido compartieron intensamente la bohemia de aquel entonces.

En regiones sucedió algo similar. En Antofagasta las localidades de María Elena, Pedro de Valdivia, Chuquicamata y Chacabuco también ostentaron cines emblemáticos, en su mayoría ligados a la producción salitrera y al entretenimiento de sus trabajadores y familias.

La mayoría de estos edificios fueron demolidos, otros alternaron algunos usos alternativos y muy pocos fueron declarados monumentos. Los nuevos formatos cinematográficos, las multisalas en los malls y la especulación inmobiliaria, fueron ganando esos espacios comunitarios en detrimento de las actividades sociales del pasado.

Espacios que, a pesar de la irrupción de los nuevos formatos de la industria y el mercado, han permanecido resguardados en la memoria colectiva urbana, razón por la cual pretenden ser redescubiertos a través de la investigación titulada "Chile en proyección: inventario y valoración de antiguas salas de cine".

Recuperación y ciudadanía

El proyecto de la Línea de Investigación de la Arquitectura (Fondart) es desarrollado por el destacado arquitecto del Campus Creativo de la U. Andrés Bello (UNAB), Marcelo Vizcaíno, quien intenta difundir el estado de la arquitectura del siglo XX y propone discutir sobre cómo reciclar o reutilizar dichos espacios. Ello, con el fin de devolver a estos grandes edificios sus fines comunitarios en los barrios donde se localizan.

"Actualmente, en otros países, fue la propia comunidad la que luchó y exigió la recuperación de estos cines, o bien lo hicieron los empresarios privados. Dicotomía que se revela en la ciudad de Buenos Aires a partir de la notable transformación del "Cine Splendid", hoy convertido en la librería "El Ateneo", ubicada en Avenida Santa Fe, o la recuperación del "Teatro 25 de mayo" en Villa Urquiza, ejemplo de adquisición municipal y articulación de contenidos con el entorno barrial", explicó Vizcaíno.

La investigación, cuyo trabajo de campo consiste en estudiar y valorizar distintas salas de cine en las regiones de Antofagasta, Santiago, Valparaíso, Concepción y Punta Arenas, contempla la elaboración de un inventario con fichas de los distintos edificios. Registro detallado que incluirá en su contenido: material visual, fotografías, planimetría, fechas y arquitectos, entre otros datos.

Sobre el actual estado de desarrollo del proyecto, Vizcaíno explica que se encuentran en la etapa de catalogación correspondiente. "La idea es ir trazando los códigos de implantación y traza del mundo del espectáculo cinematográfico, que fue muy importante durante más de cuatro décadas. Además, hacer hincapié en reconocer la posibilidad de ver formas de rescate de algunos de estos recintos que todavía están en pie y hoy se encuentran amenazados por la topadora inmobiliaria", sostiene el arquitecto.

Resultados

Respecto de los objetivos específicos, se espera que a fines de 2017 se realice un seminario multidisciplinario, junto a una muestra itinerante en la que se podrá apreciar el estado e historia de estas obras arquitectónicas. Actividades que, según comenta el investigador, buscan que sea la misma comunidad la que se entusiasme y se haga parte de esta causa que plantea poner sobre la mesa el tema de la protección y puesta en valor de espacios que conforman la memoria urbana.

Sobre la misión final de este registro, Vizcaíno agrega que a medida de que se ha realizado el estudio se han dado cuenta de que hay algunos que ya están recuperados y protegidos, y otros que siguen funcionando, aunque son los menos. "Hay otro grupo donde la misma comunidad está uniendo fuerzas para resguardarlos, pero no tienen las armas para hacerlo y, en este sentido, pienso que va a ser muy bueno este trabajo porque aportará sobre el valor de los inmuebles", puntualiza.

Cabe destacar que el trabajo del Dr. Vizcaíno se inició con un seminario sobre los cines santiaguinos con sus alumnos, iniciativa que desde un comienzo consideró las distintas formas de intervenir estos edificios, y que conformaron el primer eslabón de esta investigación.

ESENCIA DEL PROYECTO
"Se trata de poner sobre la mesa el tema de la protección y puesta en valor de los espacios que conforman la memoria urbana", destaca el arquitecto del Campus Creativo de la U. Andrés Bello (UNAB), Marcelo Vizcaíno.

6.9.17

Franz Erhard Walther: Un lugar para el cuerpo. 6 abril - 10 septiembre, 2017 / Palacio de Velázquez. Parque del Retiro. Madrid.

Vía MNCARS.



La obra de Franz Erhard Walther (Fulda, Alemania, 1939), desarrollada desde finales de la década de 1950 hasta la actualidad, anticipa muchas de las cuestiones que caracterizan la historia del arte respecto a la condición del objeto artístico (la escultura, sus materiales, técnicas y modos de uso) y la naturaleza del espectador en cuanto receptor y partícipe.

Un lugar para el cuerpo es la primera gran exposición antológica de Franz Erhard Walther en España, en la que se presenta un amplio conjunto de esculturas, dibujos, pinturas, documentación fotográfica y material de archivo de toda su trayectoria. La exposición se articula en torno a dos temas: la acción y el lenguaje.

Walther entiende sus esculturas como lugares para el cuerpo, espacios habitables que modifican su apariencia y significado en función de múltiples soluciones formales, así como de las acciones que el artista y las propias obras sugieren al público (acciones denominadas por el artista como “activaciones”). Mediante estos recursos el artista reinterpreta la definición del objeto artístico, así como la relación entre el arte y el espectador. Para Franz Erhard Walther el cuerpo es ya en sí la escultura.

Desde comienzos de los años sesenta, Walther utiliza materiales textiles en la configuración de sus obras. En ellas la costura actúa como un principio constructivo, en la forma que lo hacen el collage y el assemblage en el siglo xx cuando estos son concebidos como procesos para la aproximación del arte y la vida. El innegable aspecto táctil, reforzado por el complejo uso del color, dota a estas obras de un carácter lúdico lleno de posibilidades; prototipos textiles que se convierten –en palabras del artista– en un conjunto de condiciones más que en un objeto acabado.

En un primer análisis, el trabajo de Walther con tejidos y su utilización en el marco de una acción pueden remitir a las iniciativas que surgen en Brasil en la década de 1960 como los Parangolés de Hélio Oiticica, los objetos sensoriales de Lygia Clark o el Divisor de Lygia Pape. Sin embargo, la activación que lleva a cabo Walther no se debe interpretar en un sentido performativo pues la acción y el movimiento no están pensados para una audiencia; cuando se activan las piezas, la acción implica un momento de presentación, no de representación.

Junto con la acción, el lenguaje es otra de las herramientas de las que Franz Erhard Walther se sirve en su labor de redefinir la obra de arte, al integrarse en una genealogía que parte de Mallarmé y se extiende hasta la poesía concreta. En su caso, el artista recurre a su profundo conocimiento de la historia de la tipografía para representar la palabra como material de trabajo, desde los dibujos de su serie Wortbilder [Imágenes palabra] hasta la reinvención de las formas tipográficas reveladas en sus alfabetos escultóricos, volúmenes que invitan al espectador a descubrir su legibilidad en el espacio y a interactuar con ellos.

Activaciones

Durante el periodo expositivo se activarán copias de exposición (2014) de varios de los elementos que componen 1. Werksatz [Primera serie de obras, 1963–1969], una obra emblemática que requiere de la participación del público y en la que el artista introduce muchas de las ideas esenciales de su trayectoria. La activación la realizarán mediadores formados por el propio artista.

Del 19 de abril al 30 de junio
Jueves y viernes,de 18:00 a 21:00 h.
Sábados y domingos, de 12:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00 h.

Del 1 de julio al 9 septiembre
Jueves, viernes, sábados y domingos de 18:00 a 21:00 h.

Encuentro en torno a Franz Erhard Walther
Palacio de Velázquez, Parque del Retiro. 9 de septiembre, 12 h
Como cierre de la exposición, se realizará este encuentro que contará con las intervenciones de Elena Filipovic, Christian Rattemeyer y João Fernandes. Asimismo, el encuentro se complementará con una serie de activaciones realizadas por el mismo artista.

3.9.17

Primer Encuentro de la Red de Regiones Mineras de la OCDE, Antofagasta, 5-6 de octubre de 2017



Vía Instituto de Políticas Públicas UCN.

Red de Regiones Mineras de la OCDE: Construcción de una red para mejorar la productividad y el bienestar

Antofagasta será la sede del Primer Encuentro de la Red de Regiones Mineras de la OCDE, el próximo 5 y 6 de octubre del 2017. Instancia donde se reunirán líderes y profesionales regionales, nacionales e internacionales de diversas industrias y sectores de la sociedad, a intercambiar conocimientos, políticas y buenas prácticas en el ámbito del interés de las regiones y ciudades mineras del mundo.

Las temáticas a tratar en el encuentro serán:

Modelos de gobernanza subnacional y de buenas prácticas para gestionar las complejas relaciones existentes entre los gobiernos nacionales, la industria minera y los actores locales en relación con el desarrollo económico y el bienestar.

Políticas que permitan el desarrollo de la industria minera, que apoyen la productividad y la innovación, y fortalezcan los esfuerzos de diversificación económica en regiones dedicadas a las actividades extractivas.

Buenas prácticas relacionadas con los desafíos de calidad de vida y bienestar que afectan a las ciudades y regiones ubicadas en un contexto minero o con una gran dependencia de la actividad minera y la industria.

Durante los dos días que durará el evento, se llevarán a cabo diferentes actividades como: exposiciones, paneles de discusión, talleres y encuentros bilaterales. Toda esta información además del programa del evento estará disponible en los próximos días.

Las personas que participarán de esta importante actividad son expertos de la OECD y organizaciones internacionales, alrededor de 45 representantes subnacionales de diversas regiones del mundo, actores claves de la industria minera, junto a representantes de instituciones de educación superior, organizaciones sociales y medioambientales y asociaciones industriales, entre otros.

El evento finalizará con una modalidad Call to Actión, es decir, una hoja de ruta que impulse la cooperación internacional en las diferentes materias tratadas y diseñe una estrategia a seguir. Estableciendo una continuidad de la Red, que permita identificar los principios, las áreas de cooperación, el intercambio de conocimiento y los desafíos de la colaboración público-privada en el futuro cercano.

La reunión será organizada por un número de socios locales, tales como la Universidad Católica del Norte y el Instituto de Políticas Públicas, Antofagasta Cluster Minero, Gobierno Regional y Municipalidad de Antofagasta, Comité Regional de Desarrollo Productivo, CREO Antofagasta, CORFO y la Asociación de Industriales de Antofagasta.

Revise aquí la información oficial del evento: 
Para más información revise la página oficial de la OECD aquí: http://www.oecd.org/cfe/regional-policy/mining-regions.htm 

La bella arquitectura que espera ser descubierta en Antofagasta

Vía El Mercurio de Antofagasta, 1º de agosto de 2017.







PATRIMONIO. ¿Qué pasaría si todos los cables del centro desaparecieran? Son muchos los edificios que, sin duda, volverían a la vida.

Por Jimena Herrera Montenegro

Imaginemos por un momento que todo el cableado que cruza a Antofagasta es soterrado, permitiendo observar en detalle las más bellas y antiguas construcciones de la ciudad.

Si tan sólo nos detenemos en el centro o el casco histórico y miramos con atención, nos daríamos cuenta que la historia habla a través de los edificios, y nos transporta a una época lejana.

Museo Regional (Casa Chile o Edificio de la Intervención Chilena)

Este viaje al pasado comienza con uno de los edificios más antiguos de Antofagasta: el Museo Regional, declarado monumento histórico y cuyo diseño fue encargado al arquitecto chileno Manuel Aldunate.

Según dice el arquitecto Claudio Galeno, ese edificio originalmente fue diseñado en Valparaíso, prefabricado y enviado a Mejillones, cuando aún no comenzaba la Guerra del Pacífico y, por ende, todo este territorio era boliviano.

"Cuando esto pasa a manos chilenas, es trasladado a Antofagasta, porque se quema la Aduana y se convierte en la nueva Aduana. Hoy corresponde al Museo", detalla.

Galeno explica que Antofagasta comenzó a poblarse en 1868. Es decir, el Museo -que es de 1867- tiene prácticamente la misma edad que la ciudad.

"Este edificio representa la tecnología de la época. El piso es de madera y cuenta con técnicas constructivas industrializadas que se aplicaron a muchos edificios del Siglo XIX", precisa.

Catedral de San José

La Catedral es otro de los edificios más relevantes en Antofagasta. Los archivos dan cuenta de que este espacio estuvo ocupado por una capilla que se incendió en 1906. Al año siguiente se inició la construcción del actual templo, finalizando las obras en 1917.

El edificio fue proyectado por los arquitectos Miguel Zamora, el francés Emile Doyer y Carlos Reyes Prieto.

"Es de estilo neo-gótico y coincide con la tendencia de arquitectura historicista de fines del Siglo XIX y principios del Siglo XX. Es una estructura de hierro rodeada de hormigón y muchos de sus elementos fueron traídos de Europa. Los vitrales se hicieron en Alemania y algunos elementos exteriores son de Barcelona", detalla

Cuartel de Bomberos

Según relata el arquitecto, en el diseño del Cuartel General de Bomberos estuvo involucrado un inmigrante italiano llamado Luigi Abd-el-Kader, quien se había formado en Milán.

"Es un edificio ecléctico, que mezcla muchos elementos ornamentales que podrían venir del Barroco, es una mezcla libre", detalla.

Además asegura que su construcción -realizada entre 1906 y 1914- tuvo un objetivo preventivo, en una época en que la mayor parte de las edificaciones de la ciudad eran de madera y se producían innumerables incendios.

"El edificio es previsor, se anticipa en dimensiones al desarrollo de la ciudad porque es enorme, con un torreón central y la parte inferior tiene una gran altura. Arriba están todas las oficinas administrativas. Fue uno de los primeros servicios públicos y anterior a eso estaba el Hospital El Salvador", precisa.

1904-1910

Galeno destaca que todos estos edificios aparecen en la misma época. En 1904 se firma el tratado con Bolivia y en 1910 se celebró el Centenario de la República de Chile, por lo cual la ciudad se embelleció.

"En ese periodo, cuando Bolivia asume oficialmente que Antofagasta es territorio chileno, y previo al Centenario de 1910, se produce una gran inversión pública de construcción urbana", dice.

Fue en ese contexto que además aparece la Intendencia Regional, los regalos de las colonias extranjeras (en la Plaza Colón y en la entrada al Cementerio General), y los edificios del puerto, como el de resguardo marítimo y la gobernación.

Hoteles

Galeno dice que además habían varios hoteles. El que ocupa hoy el Centro Cultural Estación era el Hotel Belmont, de la familia Luksic, y al lado estaba el Banco Mercantil Boliviano, que actualmente es el edificio de la PDI. Según el profesional, la arquitectura se reconoce de inmediato.

"Sus dos esquinas están rematadas por dos cúpulas metálicas que estilizan el conjunto. La construcción ecléctica tiene su fachada principal por calle Bolívar y sus fachadas laterales por calle Washington y el pasaje Abaroa".

El hotel Belmont fue inaugurado el año 1913 y está muy bien emplazado. Los pasajeros llegaban al puerto antiguo -ubicado en lo que hoy se conoce como la Poza Histórica- y al lado estaba la Aduana, actual Museo.

"En el pasaje Abaroa había mucho mercadillo y estaba el muelle de pasajeros. Entonces la gente desembarcada y en el eje, que todavía se puede apreciar al pararse entre los edificios de la antigua gobernación y resguardo, se ven estos edificios con unos torreones imponentes y sus tres pisos. Abajo estaba el bar de los ingleses y arriba el hotel", agrega.

La construcción de estas obras estuvo a cargo de la empresa británica, Sage & Co., que hicieron varios edificios eclécticos en Antofagasta.

Entre los años 20 y 30, el Hotel Belmont era uno de los mejores de la ciudad, junto al Hotel de Francia e Inglaterra, el Grand Hotel, el Hotel Londres (ubicado en Latorre con Prat y que se incendió), el Hotel Oriental y el Hotel Buenos Aires.

Casa de la Cultura (antigua Municipalidad)

Continuando el viaje en el tiempo, nos encontramos con la antigua municipalidad, la cual funcionaba en un inmueble que aún existe en la esquina de la Plaza Sotomayor (Matta con Uribe).

"Es un edificio grande, de madera, con un balcón. Está muy dividido abajo, hay shoperías, una galería comercial, arriba unas pensiones y un local de mini casinos", comenta Claudio Galeno.

La "nueva" municipalidad se construye entre el año 1912 y 1914 y actualmente es ocupada por la Casa de la Cultura.

El edificio fue emplazado [definido] través de un concurso, el cual ganó Luigi Abd-el-Kader, mientras que el diseño [la construcción] estuvo a cargo de Jaime Pedreny, quien construyó la Casa Giménez.

"Comienza su construcción, pero al Concejo Municipal no le gustó el diseño de la fachada. Entonces, aparece otro arquitecto italiano que trabajaba para el Ministerio de Obras Públicas, llamado Leonello Bottacci, y le piden a él que la rediseñe", comentó Galeno.

El experto explica que el edificio finalmente en su gran estructura es de Abd-el-Kader, pero en su fachada está diseñada por Bottacci.

"Es un edificio muy interesante por la envergadura y su altura. Además tiene un patio interior vertical con un clima fantástico, y por otro lado el Salón de Honor, que hasta hoy no se ha restaurado. Tenía además el cielo pintado con una pintura de Sixto Rojas", detalló.

Basílica

Bajando por Avenida Argentina, aparece la Basílica Corazón de María, con un estilo neo-renacentista. Según Galeno, además posee elementos del periodo Románico.

"La cubierta y la parte del fondo son una serie de domos que se van superponiendo. Tiene influencia de algunos proyectos que hizo Leonardo Da Vinci, arquitecto y artista italiano.

"La parte de atrás de la Basílica coincide perfectamente con los dibujos de Leonardo, y es curioso, porque además en el altar está tallada la Última Cena de Leonardo en mármol de Carrara, traído de Europa. Es un juego en el diseño", precisa.

Un poco más al sur, podemos encontrar numerosas casas que no son tan antiguas como parecen, ya que muchas corresponden a los denominados "falsos históricos".

La casa del Ferrocarril es una de ellas. Fue realizada con posterioridad a la época de las otras construcciones. "Allí Adriana Zuanic hizo un cortometraje, que se llama Non Plus Ultra", cuenta Galeno.

También está la casa Abaroa, de 1920, y el actual restorán Divinus, que pertenecía a un doctor. Esa era la zona residencial elegante, rodeada de quintas, áreas verdes y panaderías de los griegos.

Sin embargo, el sueño de eliminar los cables que hoy impiden apreciar la belleza de estas y otras edificaciones implica un esfuerzo económico importantes. Cifras de la municipalidad indican que soterrar el cableado de sólo una cuadra puede costar más de $150 millones, por lo que despejar todo el centro (20 manzanas) demandaría unos $12 mil millones. Se trata entonces de un sueño caro, pero no imposible.

La necesidad de dar valor al patrimonio

El arquitecto Emile Ugarte dice que falta una política para dar valor a esas construcciones que nacieron durante el ciclo dorado del salitre. "Hay todo un tema con el cableado además, porque se privatizaron las empresas y eso quedó en tierra de nadie. Hace falta fiscalización respecto a lo que significa el daño al paisaje. Las empresas de servicios ni siquiera se preocupan de sacar los cables que no se usan, porque nadie les cobra por eso. Creo que tenemos un patrimonio importante en el centro y debería formarse una corporación para salvaguardar ese patrimonio".

27.8.17

Archivo histórico del MOP proyecta su futuro

Vía El Mercurio.



Domingo, 27 de agosto de 2017

Por IÑIGO DÍAZ

Recién declarado Monumento Histórico, inicia su modernización para convertirse en un gran centro de documentación técnica. Conserva 110 mil planos y 37 mil fotografías.

Se titula "Estado en obras" y es una de las exposiciones más importantes en la temporada del Museo Histórico Nacional. Con unas 60 imágenes, planos, dibujos y bocetos, la muestra recorre un largo tramo de acción en las obras públicas. Esta es la última semana que se puede visitar. Una buena parte de ese material procede del archivo que conserva el Ministerio de Obras Públicas (MOP), en especial su Dirección de Arquitectura, creada por Balmaceda, y que permitió impulsar estas obras: desde puentes, carreteras y líneas telegráficas, a edificios para la Escuela de Medicina, la Escuela Militar o la Escuela Normal de Preceptores. El término de la exposición en el museo coincide con el inicio de una nueva época para esta oficina.

El archivo técnico del MOP fue declarado Monumento Histórico. Posee el mayor acervo de planos, fotografías y documentos relativos a edificaciones públicas. En su colección planimétrica resguarda más de 110 mil originales y copias únicas, incluso desde fines del siglo XIX, mientras su colección fotográ- fica contiene 37 mil placas y negativos originales. Esas colecciones son regularmente consultadas por investigadores, arquitectos, historiadores y estudiantes.

"La declaratoria apunta a la modernización de este contenido y su uso, siempre en la lógica de una gestión documental más que la sola acumulación", señala Claudio Olmos, jefe del Archivo Técnico. "En ese sentido, aquí se trabaja en una verdadera minería de datos para la documentación de material histórico, pero también el material activo, como por ejemplo la construcción de la actual sala del GAM", agrega.

Esa oficina está en proceso de consolidarse como el Centro de Documentación Técnica, una jerarquía distinta a la que ha ostentado hasta hoy.

A MANO ALZADA

El archivo conserva piezas de valor incuestionable, como planos de 1924 de fachadas y detalles de la Biblioteca Nacional, y de una remodelación, de 1922, para el Museo de Bellas Artes. También hay dibujos de 1906 sobre aspectos técnicos de la armadura central de la Estación Mapocho, bocetos en perspectiva del Puente del Arzobispo, e incluso, planos de 1975 de la reconstrucción de la bombardeada Moneda.

El archivo se encuentra en dos salas de Morandé 59. La colección planimétrica está en el espacio mayor, de unos 60 m2 , que cuenta con gavetas especiales y sus piezas se ubican en sobres. Sin embargo, no corresponden a los que requiere el estándar actual, con tecnología libre de ácido.

"Se necesita más infraestructura, eso es evidente. El proyecto apunta hacia allá", dice Olmos.

Mientras tanto, sigue el proceso de digitalización del material. Del total de planos ya hay 36.000 respaldados, mientras que la colección fotográfica acumula 18 mil piezas digitalizadas.

Paz Errázuriz, primer Premio Nacional a la fotografía

Vía La Tercera.



Autor: Javiera Guajardo

La artista de 73 años, que retrata personajes marginados, recibe el mayor galardón para las artes visuales.

Mundos invisibles y marginados son los motivos que la fotógrafa Paz Errázuriz (1944) ha explorado con su lente desde los años 80 hasta hoy. Fue a inicios de los 90 cuando llegó al Hospital Siquiátrico de Putaendo y retrató las relaciones afectuosas entre los pacientes internados. Más adelante, su interés se volcó en los boxeadores, y después su lente se enfocó en la piel de travestis y homosexuales. “Son temas de mi interés y siempre estoy con proyectos que tocan temas que no se quieren mirar muy de frente”, dijo ayer la fotógrafa.

Este mismo interés que guió su trayectoria es el que le significó el Premio Nacional de Artes Plásticas 2017, entregado justamente en el Mes de la Fotografía. “Su contribución nos permite ver una realidad que la sociedad prefiere ignorar, la vida que no vemos a simple vista. Su obra aborda la marginalidad desde una mirada que humaniza situaciones que no vemos o que no queremos ver”, dijo la ministra de Educación, Adriana Delpiano, quien presidió el jurado integrado por los rectores de la U. de Chile, Ennio Vivaldi, y de Talca, Alvaro Rojas, representante del CRUCH, y el pintor Benito Rojo a nombre de la Academia Chilena de Bellas Artes. La premiada anterior, Roser Bru, se excusó por motivos de salud.

El nombre de Paz Errázuriz fue elegido de manera unánime, y se impuso sobre otros artistas destacados como Mario Toral, Alejandro “Mono” González, Ximena Cristi y Ricardo Yrarrázaval.

Es primera vez que este galardón (creado en 1944 y modificado en 1992) reconoce la obra de un fotógrafo. “Representa algo importante e inesperado, porque represento a un área que en 70 años nunca se le había dado boleto. Situar a la fotografía a la par con las otras artes visuales es algo importante”, comentó la fotógrafa, quien llegó al despacho del Mineduc.

A fines del año pasado un grupo de artistas levantó su candidatura al premio, y en meses sumó el apoyo de instituciones como el MoMA de Nueva York, el Malba de Buenos Aires, la Fundación Mapfre de España, y en Chile el Museo de Bellas Artes. “Recibir este premio es de lo más extraño que hay, aunque no puedo decir que sea sorpresa porque hubo una campaña”, dijo Errázuriz, una de las fundadoras de la Asociación de Fotógrafos Independientes en los años 80.

Si bien sus inicios en la fotografía fueron como autodidacta, en 1993 se perfeccionó en el International Center of Photography de Nueva York. Este año, se reeditó una de las publicaciones que marcaron su carrera: El infarto del alma, libro que publicó en conjunto con la escritora Diamela Eltit sobre las parejas del Siquiátrico de Putaendo y que cumple más de 20 años. Además, en julio recibió el Premio Madame Figaro en Arles, Francia, cuando expuso Una poética de lo humano.

Para Errázuriz recibir el Premio Nacional es un nuevo empuje para continuar con su trabajo. El galardón, que entrega $18 millones y una renta vitalicia mensual de 20 UTM ($933 mil), es un apoyo para financiar nuevos proyectos.

Revive la Bienal de arquitectura boliviana



Vía La Razón.

Hace cinco años que no se organizaba el evento nacional, por lo que en octubre volverá  renovado con cuatro invitados nacionales y 10 internacionales. El tema: Latinoamérica.

Por Miguel Vargas

Cuando el arquitecto Fernando Martínez asistió a su primera bienal siendo estudiante, quedó impresionado: los horizontes se le abrían para ser el profesional que soñaba ser; uno que trabaje y marque nuevas tendencias, valore el trabajo de los maestros y descubra nuevos paradigmas. Ahora, como coordinador de la 13 Bienal de Arquitectura Boliviana, busca replicar ese sentimiento en estudiantes y colegas.

Del 23 al 27 de octubre, La Paz será sede de la decimotercera versión de este evento que no se realizaba desde hace cinco años. Pesaban las trabas burocráticas y las urgencias presupuestarias. “Decidimos traer especialistas latinoamericanos que están en la cúspide de la arquitectura mundial. A pesar de los obstáculos, organizamos una bienal de primer nivel”, dice Martínez.

Los invitados provienen de Bolivia, Chile, México, Argentina, Brasil, Uruguay, EEUU, Paraguay y Perú. “El caso del invitado de EEUU es particular, pues es el ecuatoriano Felipe Correa, director del Master de Arquitectura en Diseño Urbano en la Universidad de Harvard”.

Las charlas magistrales serán en el Auditorio del Banco Central de Bolivia, con un cupo limitado para 700 personas. Hasta el 31 de agosto estarán disponibles las inscripciones tempranas (Bs 380 para profesionales y Bs 350 para estudiantes, luego costarán Bs 480 y Bs 450, respectivamente). La información del evento, así como las bases de los concursos de obra construida y proyecto, y sus diferentes categorías, están en la web www.cdalp.org.bo o en el correo bienal@cdalp.org.bo.

Llega al Museo Municipal de Bellas Artes de Valparaíso, Palacio Baburizza, la exposición: Martín Gusinde “El espíritu de los Hombres de la Tierra del Fuego”

Vía Museo Palacio Baburizza.



Desde el 26 de agosto y hasta el 15 octubre, el Museo Municipal de Bellas Artes de Valparaíso, Palacio Baburizza, presenta la muestra más extensa que se haya realizado en Chile de las fotografías captadas por el sacerdote Martin Gusinde a miembros de los pueblos Kawésqar, Selk’nam y Yagán.

Bajo el subtítulo “El espíritu de los hombres de la Tierra del Fuego”. Fotografías de Martin Gusinde, la muestra incluye 120 fotografías tomadas por el antropólogo con placas de vidrio entre 1918 y 1924, que se conservan en el Anthropos Institut de Alemania. La curatoría corresponde a Christine Barthe, encargada de los archivos de fotografía del Musée du Quai Branly de Paris, y al editor Xavier Barral.

Con la gestión de Verónica Besnier y la co-producción de Luis Weinstein, la exhibición cuenta con el financiamiento del Área de Fotografía del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) y del Departamento de Pueblos Originarios de la misma institución, junto al apoyo del Instituto de Cultura Francés, el Goethe Institut, y la Embajada de Francia en nuestro país. Para su presentación en Valparaíso, la exhibición forma parte de las celebraciones de los 190 años del Diario El Mercurio de Valparaíso y el especial auspicio de la Empresa ESVAL.

“Presentar esta exposición es un privilegio para nuestro museo, sentimos que generamos una oportunidad invaluable para toda la comunidad de conocer un trabajo tan significativo como es la obra de Gusinde. Esperamos sean miles las personas que visiten la muestra y la aprecien en todo lo que significa. Así también agradecemos al Mercurio por celebrar sus 190 años de historia con nosotros, con esta gran iniciativa cultural y patrimonial”, señala Rafael Torres, director museo.



Actividades de Extensión

La muestra contempla actividades orientadas al público general, con el fin de extender sus alcances a la comunidad. El miércoles 30 de agosto a las 18.00 horas, se presentará el documental “Tierra del Fuego”, registro del sacerdote Alberto María de Agostini, que será presentado por el académico Jaime Córdova, en conjunto a la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso.

Así también los sábados 30 de septiembre y 7 y 14 de octubre, se realizarán talleres de confección de máscaras selk’nam, destinados a niños y adultos, que quieran crear su propia máscara, inspirados en la muestra.

La exposición se puede visitar gratuitamente, en el museo Baburizza, de martes a domingo de 10.30 a 18.00 horas.

Geoglifos de Chug Chug en [el Desierto de ] Atacama son traspasados a comunidades



Vía La Tercera.

Autor: Karen González T.

Según la ministra de Bienes Nacionales, la finalidad de la concesión es “proteger este sitio arqueológico de importancia mundial y valor patrimonial excepcional para la humanidad”.

Los Geoglifos de Chug Chug, ubicados a 35 km de Calama, en pleno desierto de Atacama, es uno de los sitios arqueológicos más importantes del país y el segundo con mayor número de las ancestrales representaciones después de los Geoglifos de Pintados, en la Pampa del Tamarugal (Tarapacá). En 19 mil hectáreas, se distribuyen más de 560 figuras de gran tamaño y visibles a gran distancia, que dan cuenta del intenso uso que las comunidades indígenas de la zona, principalmente atacameñas y aymaras, le dieron a esta ruta desde épocas prehispánicas, hasta el mismo siglo XX.

Debido a su valor, que algunas organizaciones han comparado con el de los geoglifos de Nazca (Perú) es que el Ministerio de Bienes Nacionales (BB.NN.) decidió entregar una concesión gratuita de cinco años de duración a dos comunidades indígenas para su administración.

Según la ministra de la cartera, Nivia Palma, la finalidad de la concesión es “proteger este sitio arqueológico de importancia mundial y valor patrimonial excepcional para la humanidad”. Estas dos comunidades indígenas han tenido “ocupaciones ancestrales sobre el territorio”, por lo que “paralelamente estamos tramitando una concesión de largo plazo que permita la creación de un parque como un aporte para miles de estudiantes y turistas que visitan esta asombrosa zona”, agrega.

En total, son 15 mil hectáreas que se reparten entre las comunas de María Elena y Calama, que serán administradas por las comunidades indígenas Aymara de Quillagua y Atacameña Chunchuri, con fines de investigación, conservación y puesta en valor patrimonial de los ancestrales polígonos.

Como explica Tomás Sepúlveda, director de Proyectos de la Fundación Desierto de Atacama, entidad que también participa del proyecto, “estos geoglifos están siendo amenazados y destruidos por distintas acciones: autos que se suben a los cerros a hacer rally, la actividad minera y también por el turismo informal. Por eso es fundamental este paso para entregar una mejor protección”.

El presidente de la comunidad Aymara de Quillagua, Víctor Palape, explica que “llevamos dos años trabajando con la comunidad de Chunchuri para poder proteger de forma efectiva este patrimonio que nos dejaron nuestros abuelos, que son todos los pueblos que vivían en el alto El Loa”.

22.8.17

BID actor clave en impulso de energía geotérmica en la región

Vía ENERGIA LIMPIA XXI.

Durante los últimos años el Banco Interamericano ha contribuido al avance la energía geotérmica en la región, un valioso recurso que por lo complejo de su fase inicial siempre se requiere de apoyo en estudios de mitagación. Haciendo esto a un lado, es una de las energías renovables más confiables y de mayor potencial en nuestra región. Hace tres años México anunció que estaría trabajando un programa de mitigación de riesgos para proyectos privados de energía geotérmica con apoyo del BID.

El proyecto permitirá la instalación de 300 MW de energía limpia y sustentable con una reducción estimada de 1,1 millones de toneladas de CO2 al año.

La Secretaría de Energía de México, Nacional Financiera (NAFIN) y el Banco Interamericano de Desarrollo (BID) apoyarán, de manera conjunta, el desarrollo de un programa de mitigación de riesgos para proyectos privados de energía geotérmica del país, en el que la empresa MUNICH RE estará involucrada en el desarrollo de un mecanismo de seguro.

Energía Limpia XXI señala que la CFE inauguró recientemente la Central Geotérmica Los Azufres II Fase I, en Michoacán; y la Central Eólica Sureste I Fase II, en Oaxaca. “Se han realizado ya dos subastas para comprometer inversiones de más de 6 mil 600 millones de dólares para generar energía eléctrica más limpia” Señaló el mandatario. Hoy prácticamente el 20 por ciento de la energía eléctrica que se genera en el país es limpia, y está proyectado que, gracias a la Reforma Energética, en el 2024, en casi sólo siete años a partir de ahora, prácticamente el 35 por ciento de la generación de energía eléctrica sea limpia.

En septiembre del año pasado Nicaragua con apoyo del BID anunció que estaría ampliando sus niveles de generación de energía renovable y mejorará el sistema de transmisión eléctrica mediante un proyecto de US$103,4 millones con financiamiento del Banco Interamericano de Desarrollo (BID).

En 2015, el 50,6% de la generación eléctrica del país provino de fuentes renovables, de éstos el 30% correspondió a energía geotérmica. El potencial geotérmico estimado de Nicaragua es de 1.500 MW, de los cuales solamente ha desarrollado un 10%. Por otro lado, la demanda de energía eléctrica ha ido creciendo en los últimos años; en 2014, el sistema experimentó un aumento en la demanda del 2,6%, mientras en el 2015 fue del 4,6%.

El proyecto apoyará el desarrollo de investigaciones que permitan determinar la factibilidad técnica para explotación del potencial geotérmico del campo Cosigüina, en el noroccidente de Nicaragua, incluyendo actividades como la exploración de pozos de diámetro comercial. Adicionalmente, se desarrollarán mecanismos para atraer inversión privada que permita dinamizar el mercado de generación geotérmica del país

Chile hizo historia este año, en marzo inició las pruebas de generación de electricidad y conexión al Sistema Interconectado del Norte Grande (SING) la primera unidad de la planta geotérmica Cerro Pabellón: el primer proyecto geotérmico de generación eléctrica a escala comercial en Sudamérica y el más alto del mundo, puesto que se instala a 4.500 metros sobre el nivel del mar.

Cerro Pabellón logra posicionar a Chile en el mapa de los países productores de energía geotérmica, se ubica en la comuna de Ollague, Región de Antofagasta, y tiene una potencia instalada de 48 MW, alcanzando un factor de planta del 81%, es decir, similar al que pueden alcanzar las plantas termoeléctricas operando a plena capacidad.

La instalación está compuesta por dos unidades de una potencia instalada bruta de 24 MW cada una y es propiedad de Geotérmica del Norte S.A. (“GDN”), una empresa controlada por Enel Green Power Chile (81,7%) y en la que participa ENAP (18,3%).

La planta geotérmica que inyectará 340 GWh al año al Sistema Interconectado del Norte Grande (SING), posee la energía necesaria para abastecer a 165 mil hogares y reducir 166 mil toneladas de CO2 anualmente, aportando a la lucha contra el Cambio Climático.

EL apoyo del Gobiermo a la geotermia.

El alto costo de desarrollo de los proyectos geotérmicos unido al riesgo existente en toda la etapa de exploración y desarrollo de la planta, constituyen una barrera importante para la geotermia. Es por esto, que el gobierno de la Presidenta Michelle Bachelet estableció el compromiso en la Agenda de Energía para implementar “esquemas para reducir el riesgo en la perforación de pozos profundos en la etapa de exploración geotérmica”.

Como primer resultado, Cerro Pabellón, recibió un crédito de USD 30 millones en el marco del mecanismo de Mitigación de Riesgo Geotérmico (MiRiG), que el Gobierno de Chile a través del Ministerio de Energía, obtuvo de la cooperación internacional del Clean Technology Fund (CTF), con aportes de varios países, entre ellos Reino Unido y Alemania, y administrado por el Banco Interamericano del Desarrollo (BID). Estos fondos permitieron la mitigación de riesgos en la etapa de perforación de pozos de desarrollo del campo de vapor geotérmico.

El BID también ya apoyado otros emprendemientos en países como Colombia, que cuentan con un gran potencial para geotérmica pero que lamentablemente se ha puesto en segundo plano debido a la facilidad que se presenta para producir energía hidroeléctrica, que reprsententa casi un 75% de la matriz nacional.

21.8.17

Este lunes se conmemoran los 65 años de la aplicación del Plan Serena

Vía El Día.


Calle Cordovez en 1950. Crédito fotografía: Archivo El Día y Leopoldo Carrasco

Por Nataly Cortés el Dom, 20/08/2017 - 15:28

El “Plan Serena” fomentó la urbanización para la provincia de Coquimbo, conociéndose como el primer intento de descentralización territorial y de inversión del gobierno a gran escala, siendo La Serena su plan piloto, con la idea de ser aplicado posteriormente en el resto de las provincias de Chile.

A 65 años del histórico “Plan Serena”, este lunes se desarrollará un Simposio en conmemoración a esta propuesta revolucionaria que tuvo lugar durante el gobierno de Gabriel González Videla.

La actividad consta con diferentes exposiciones sobre desarrollo local, reacciones históricas de la ciudadanía, la inmigración italo-trentina y una mirada de futuro para construir ciudades sustentables. Los relatores son María Teresa Fierro arquitecto, Julián González, sociólogo y escritor, Caterina Pezzani, representante de la Colonia Italiana, Patricio Rubio director regional de arquitectura MOP, Tomás Riedel, arquitecto CChC y Rodrigo Iribarren como anfitrión.

Cabe destacar que el “Plan Serena” fue un proyecto que aspiraba transformar urbanísticamente a la ciudad natal del entonces mandatario entre los años 1946 a 1952, para convertirla en un polo de desarrollo económico.

Esto significó importantes cambios en infraestructura; se restauró el casco antiguo de la ciudad, se recuperaron espacios públicos, se reconstruyeron establecimientos educacionales como el Liceo Gabriela Mistral y Gregorio Cordovez, la nueva Estación de Ferrocarriles, se crearon áreas verdes como el Parque Pedro de Valdivia y el Museo al aire libre en el que se encuentran réplicas de esculturas griegas y otras originales de artistas chilenos entre muchos otros.

La actividad organizada por la Cámara Chilena de la Construcción, se desarrollará en el Museo Histórico Presidente Gabriel González Videla, ubicado en calle Matta n° 495, desde las 8:30 hasta las 13:30 horas.

Jacqueline Roumeau: pionera del teatro carcelario


LUN, 22 de noviembre de 1999. © DIBAM, Referencias críticas.

Vía Mujer Impacta.
9 de Agosto, 2017

Pegada a una fachada de adobe y detrás de una reja de fierro hay una gruesa puerta de madera tallada que Jacqueline se niega a perder, porque dice que es parte de la identidad del lugar ubicado en un sector residencial de Santiago Centro. Tras ella se ve una acogedora casa de paredes blancas en la que se pasea libremente una perrita adoptada en la corporación. Dentro hay una cocina y un pendón de “Torre 5”, la obra que ella escribió inspirada en la tragedia de la cárcel de San Miguel.

Jacqueline recuerda que de niña pasó varias tardes acompañando a su papá en el Teatro Mistral y que tal vez esa fue una de las razones por las que se enamoró del teatro. En el colegio participó en varias obras escolares y su madre la incentivó a estudiar guitarra. “Siempre tuve la cultura metida en mi casa”, cuenta ahora sentada en un sillón de madera en su oficina.

Ella cuenta su historia de forma rápida y como buena actriz mueve las manos e imita las voces de las personas a las que cita. Recuerda que al salir del colegio, quedó en lista de espera de Teatro en la Universidad de Chile y por un contacto entró a trabajar como secretaria en un banco. Durante las tardes cruzaba al edificio de enfrente para participar en unos talleres para actores.

Después entró a la Academia de Fernando González, donde descubrió que quería dejarlo todo y dedicarse a las tablas. “Era difícil igual, porque yo estaba viviendo sola y tenía un trabajo estable. Por suerte mi mamá me ayudó y me puse a trabajar de mesera en un restaurante para pagar la escuela”, relata.

Una vez titulada, una directora inglesa la eligió para participar de una obra con una compañía de teatro itinerante. Una de las paradas era en Puerto Montt y Jacqueline recuerda que llamó a varios conocidos para saber si tenían algún contacto en la zona. Su cuñado le dijo que tenía un amigo que era Ingeniero en pesca. “Nos enamoramos. Durante un año yo viajaba para ir a verlo hasta que él se fue a vivir a Mejillones y tuve que tomar una decisión”, dice.

¿Lo dejaste todo?

¡Sí! Yo pensaba que mi carrera de actriz iba a ser para siempre y de repente me encontraba llorando en un bus chamaca rodeada de cajas y camino al norte.

Una segunda oportunidad

La gente de Mejillones salió llorando del gimnasio porque habían visto una obra de teatro por primera vez. Meses atrás, Jacqueline se había ganado un Fondart y estrenó su primera obra. “Todo partió cuando ya llevaba seis meses en el norte y quería hacer algo. Fue muy de patuda empezar porque nunca había escrito nada de nada. El norte me ayudó a sacar todas mis potencialidades ya que también aprendí a hacer producción”, relata.

Luego de estrenar su segunda obra y llevar varias obras de teatro al norte con actores famosos, su nombre comenzó a ser reconocido. En eso le ofrecieron ir a hacer un proyecto teatral en la cárcel de mujeres de Antofagasta. “Fue algo increíble. Durante nueve meses trabajé con ellas y escuché sus historias para escribir la obra”, recuerda. Esa experiencia la marcó en su vida y la llevó a crear una metodología de teatro testimonial de mujeres privadas de libertad. “Mientras actuaban y se aprendían los textos, las vi relucir y brillar de una forma increíble. Fue en ese momento cuando que descubrí el poder real del teatro”, cuenta.

Con todo el ímpetu y motivación que la caracteriza, Jacqueline se atrevió a ir a hablar con el Director Nacional de Gendarmería para pedirle algo descabellado: dejar que las mujeres condenadas pudieran presentar la obra en distintos lugares de Chile. “Por suerte nos apoyaron y pudimos recorrer teatros y distintas cárceles”, dice.

Una vez que regresó a Santiago, se juntó con varios amigos del mundo del teatro y fundó CoArtRe en 1998. Uno de sus principales logros fue crear una red de teatro testimonial entre rejas, cuyo fin es escuchar sus historias y luego escribirlas y presentarlas en forma de obras de teatro.

Aunque han dedicado gran parte de su trabajo a la labor en las cárceles, este año están apoyando a inmigrantes y jóvenes del Sename. “Nos gusta estar donde las papas queman. Nuestro trabajo también tiene que ver con lo político y social, porque trabajamos con la contingencia”, afirma.

¿Has tenido ganas de renunciar alguna vez?

¡Obvio! Miles de veces… este trabajo es muy duro y súper desgastante, pasan cosas bonitas y cosas terribles. Pero yo soy del tipo de personas que piensan que si uno descansa, se pasan las ganas de abandonar.

¿Cómo es el trabajo con las personas privadas de libertad?

Es increíble y alucinan con el teatro. Es raro que alguno de ellos deje de ir a los talleres y ensayos. Además, nosotros les pagamos por el trabajo que ellos hacen. No es mucho, pero eso nos ayuda a que se comprometan.

¿Y cómo te relajas?

Me separé y no tengo hijos, así que tengo un tiempo para hacer yoga y me cuido mucho, porque antes no lo hacía. Además, estoy muy metida en un camino que tiene que ver con la preservación de las comunidades indígenas y sus rituales. Todos los años voy a un lugar en Nuevo México en el que se hacen ceremonias ancestrales como la danza al sol y la luna. Eso me ha ayudado a conectarme con la naturaleza.

¿Cómo es tu trabajo creativo?

Hago muchas entrevistas, converso y escucho mucho lo que me quieren contar las personas de la cárcel. Es un proceso largo. Por ejemplo, en la obra “Torre 5” se me ocurrió hacer un cruce de las historias de los familiares de las víctimas con “Antígona” de Sófocles. También me voy harto a la playa para buscar espacio, inspirarme y pensar.

¿Cúal es el futuro?

(Se levanta del asiento) Sígueme porque te lo voy a mostrar.

Se sienta frente a su computador y pone un video en el que se ve la fachada de ladrillos y la puerta, pero sobre ella hay tres pisos. Dentro hay amplias oficinas, salas de oficios y una sala de teatro con capacidad para aproximadamente 60 personas.

-Ese es el sueño. Que este lugar tenga su propio espacio para presentar nuestras obras y una sala en donde podamos trabajar en talleres con las personas que ya salieron. Nos faltan recursos, pero estoy confiada en que lo vamos a lograr.

20.8.17

El rescate de las flores del desierto

Vía El Mercurio de Antofagasta.

En Paposo se pueden encontrar más de 500 especies de plantas. pero muchas de ellas en peligro de desaparecer. Mediante un proyecto se están conservando y reintroduciendo algunas de ellas. La idea ahora es replicar la iniciativa a otras zonas dañadas ecológicamente, como la Reserva La Chimba y la Península de Mejillones.

Por Cristian Ascencio Ojeda






19.8.17

Lugar de la Memoria, Centro Cultural para la reconciliación del pueblo peruano, Barclay & Crousse, Lima

Vía Barclay & Crousse.



PLACE OF REMEMBRANCE: Cultural center for the reconciliation of peruvian people, exhibition spaces, research center and auditorium

location: lima, peru
client: presidential commission for the place of memory - peruvian ministry of culture
design team: s. barclay – j.p. crousse
built surface: 4896 m2
project team: p. shimabukuro, r. aguirre, s. cilloniz, c. fernandez, e. zambrano
competition: 2010 – first prize
completion: 2013
opening to the public: 2015
fotographer: c. palma
awards:
oscar niemeyer prize - red de bienales de américa latina - quito 2016
hexágono de oro prize - 16th bienal de arquitectura del peru, huancayo 2014
mies crown hall americas prize - nominated project - iit, chicago 2014
cica award for latin-american architecture - international comitee of architectural critics - buenos aires 2013
premio bienal - américa latina - XIV bienal internacional de arquitectura de buenos aires, 2013

Published in: Arquitectura Viva 151 June 2017 / Summa+ 154 Dec.2016 / Casabella 844 Dec.2014 / PLOT special edition 3 2013 / AV Proyectos 040 2010



A presidential commission leaded by Nobel prized Peruvian writer Mario Vargas Llosa, launched in 2010 a national architecture competition for the construction of the Place of Memory, a place where people from diverse political an social origins work together to reach a possible reconciliation between Peruvian people, confronted by a bloody conflict initiated in 1980 by the terrorist movement Shining Path, counting more than 70000 dead in twenty years.



The jury was conformed by Kenneth Frampton, Rafael Moneo, Francesco dal Co, Wiley Ludeña and José G Bryce.



The project is carefully inserted into the dynamic of cliffs and ravines that ring the bay of Lima, merging with landscape by following the same territorial logic that characterizes its waterfront. By doing this, the building evokes memory in a much broader significance: the memory of landscape in its physical configuration and materiality, rather than dealing only with violence and political memory, which is the role of permanent exhibition.

18.8.17

Alberto Cruz. El cuerpo del arquitecto no es el de un solo hombre. Exposición en el MAVI, 9 de septiembre al 12 de noviembre

Vía MAVI.

De primera mano –y en primera persona– los cuadernos de Alberto Cruz dan cuenta de su peculiar metodología de observación, una manera de pensar, enseñar, aprender y crear. Un lenguaje que es al mismo tiempo palabra y dibujo. La exposición, a cargo de la curadora María Berríos, presenta por primera vez los cuadernos inéditos de Alberto Cruz, que durante toda una vida fueron su laboratorio personal de experimentación y desarrollo de esta metodología, un archivo íntimo de su manera de recorrer, investigar y hacer mundo. Esto junto a otros documentos y ejercicios gráficos de su archivo personal que dan cuenta de facetas poco conocidas de Alberto Cruz y de cómo él re-significó lo que puede ser un arquitecto, a través de su propia experiencia.


Travesía de Amereida. Alberto Cruz en Escuela de Puelches, 27 de agosto de 1965.
Crédito: Archivo Histórico José Vial Armstrong, PUCV.

Los papeles de Alberto Cruz están atravesados por su obra colectiva, aquella revolución de la arquitectura conocida internacionalmente como la Escuela de Valparaíso, cuyo legado vivo permanece en la Escuela de Arquitectura que re-fundó, el grupo Amereida y la Ciudad Abierta. Fue en esa experiencia de "unidad de vida, trabajo y estudio”, a la que dedicó toda una vida, en que se fundamenta la pedagogía radical que Alberto Cruz desarrolló durante más de medio siglo. Para él la vida (y la arquitectura) no se puede aprender en las aulas, sino saliendo al mundo a recorrerlo.

En su deambular cotidiano Cruz llevaba consigo –al menos– tres cuadernos, hoy existen más de 2000 cuadernos escritos, rescritos, tachados, dibujados y desdibujados por él entre 1934 y 2013. Un fragmento de ellos constituyen el pulso de esta exposición que propone un recorrido, entre múltiples posibles, para explorar su obra. Esta, al igual que sus cuadernos, es continua, abierta e inconclusa, única, múltiple y, en su conjunto, posee la extensión de una sola frase sin comienzo ni fin. Constituye así “una escritura de la simultaneidad”, el modo en que Alberto Cruz definió el dibujo.

Cruz creía que la arquitectura es un acto que debe “manifestar al hombre en su cuerpo”. Es seria su escala humana. La exposición “el cuerpo del arquitecto no es el de un solo hombre" busca seguirle el pulso a la escala humana de Alberto Cruz. La frase que da origen al título de la exposición sale del colofón del material pedagógico "Estudio acerca de la observación arquitectónica" de 1979, publicado por el Instituto de Arte de la Universidad Católica de Valparaíso en 1981.

Para la apertura de la exposición se lanzará un catálogo que permitirá acceder al legado material de Alberto Cruz, con un énfasis especial en sus cuadernos hasta ahora desconocidos. La publicación además cuenta con ensayos monográficos sobre la obra de Cruz de: Pablo Lafuente, curador y escritor que viajó a Chile especialmente para sumergirse en el material inédito; el profesor y arquitecto Fernando Pérez Oyarzún, un gran conocedor de la obra de Cruz; y de la curadora de la exposición María Berríos, quien –junto a la historiadora del arte Amalia Cross– dedicaron un año a investigar el riquísimo y vasto material de archivo resguardado por la Fundación que lleva el nombre del arquitecto, explorando el espacio enigmático creado por la escritura-dibujo de Alberto Cruz.

La curadora: María Berríos

Socióloga, editora y curadora independiente, vive entre Santiago de Chile y Copenhagen. Es miembro fundador, junto a los artistas Ignacio Gumucio y Francisca Sánchez, del colectivo vaticanochico. Berríos ha escrito extensamente sobre arte y cultura contemporánea en América Latina y más allá en diversas publicaciones internacionales.

Continuamente realiza conferencias, seminarios y talleres en múltiples instituciones artísticas y educacionales de Europa y América. Fue co-editora de documenta 12 magazines (2007). Junto a Lisette Lagnado, fue co-curadora de la exposición sobre arquitectura experimental en Chile y Brasil "Desvíos de la Deriva" (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2010), acerca de arquitecturas artísticas en América Latina y curadora de la exposición "Nuestro Caos, Nuestro Mar" (2014), acerca de la Escuela de Valparaíso. Entre sus proyectos más recientes está "The Revolution is a School of Unfettered Thought", realizado en colaboración con el artista Jakob Jakobson presentado en la 31 Bienal de Sao Paulo (y luego en la Bienal de Gotemburgo, 2015 y en Tratados de Paz en San Sebastián, 2016).

Fundación Alberto Cruz

La Fundación Alberto Cruz Covarrubias nace en 2016 gracias a la voluntad de sus herederos, quienes deciden donar el conjunto de la obra inédita de su padre, la que constituye el principal patrimonio material de la misma y es reflejo de más de 70 años de trabajo creativo, artístico y docente.

Más de dos mil cuadernos y alrededor de 200 pinturas en distintas técnicas y formatos, entre otros documentos, componen el Archivo que custodia la Fundación, cuya misión es la investigación, desarrollo y difusión de la cultura y el arte, desde el aporte singular que significa para Chile y el mundo la creación artística, académica y cultural desarrollada a lo largo de su vida por el arquitecto y profesor de la Escuela de Arquitectura de la UCV y Premio Nacional de Arquitectura, 1975.

15.8.17

La ilegalidad de una demolición y la desidia de la municipalidad de Antofagasta



Vía El Mercurio de Antofagasta.





Ex Hotel Royal, otro patrimonio que comienza a decir adiós

HISTORIA. Inmueble de fines del Siglo XIX está siendo demolido, pese a estar situado en área de resguardo.

Por Cristian Castro Orozco

Un inmueble de fines del Siglo XIX, ubicado en pleno centro histórico de Antofagasta, corre el riesgo de desaparecer completamente (está siendo demolido), caso que tiene en alerta a un grupo de arquitectos, quienes solicitan su recuperación, pese a que de la construcción actualmente sólo queda la fachada.

Se trata del ex Hotel "Royal" y bodega de metales "Dauelsberg Schubering" (también conocida como Casa Riesle), ubicado en calle Sucre, justo frente al pasaje Eduardo Abaroa, a sólo una cuadra de la Plaza Colón y el Muelle Histórico.

El viejo inmueble, construido en base a madera, caña y barro (materiales propios de las primeras edificaciones de la Antofagasta), hoy sólo mantiene intacta su fachada.
Protección

El arquitecto y académico de la Universidad Católica del Norte, Claudio Galeno, explicó que la casona está situada en la Zona de Conservación Histórica de Antofagasta (ZCH), y por ende tiene protección.

"De acuerdo al plano regulador, vigente desde 2002, este inmueble está ubicado en la zona ZCH, creada de acuerdo a lo establecido en la Ley General de Urbanismo y Construcciones. Dicho plano menciona la importancia de conservar el entorno de la Plaza Colón y la zona del antiguo puerto", manifestó el académico.

En efecto, en el artículo 60 del la Ley General de Urbanismo menciona que "el plan regulador señalará los terrenos que por su especial naturaleza y ubicación, no sean edificables (...) manteniéndose las características rústicas del predio".

Sobre las edificaciones que están dentro de la zona conservación, la normativa dicta que "no podrán ser demolidas o refaccionadas sin previa autorización de la Secretaría Regional de Vivienda y Urbanismo correspondiente".
Demolición

Pese a lo anterior, el antiguo hotel comenzó a ser desmantelado a fines de abril.

Frente a ello, un grupo de académicos envió oficios alertando de la situación a la Dirección de Obras de la Municipalidad de Antofagasta y a la Seremi de Vivienda y Urbanismo.

El geólogo de la UCN e investigador histórico, Patricio Espejo, contó que en la municipalidad no consiguieron respuestas. Sólo desde la seremi se les confirmó que el inmueble no podía ser alterado.

"Del ministerio nos informaron que los dueños interpusieron una solicitud de demolición. Pero ésta se presentó después que se comenzó a demoler. Hace unos pocos días clausuraron la fachada del edificio, y si pasas por ahí, verás que ya fue demolido. Sólo queda la cáscara", afirma el geólogo.

La derruida estructura además sufrió un incendio la madrugada del domingo 6 de agosto, evento que provocó la destrucción total del único quiosco instalado justo frente a la fachada, perjudicando a una comerciante de 78 años.
Incendio

El concejal Camilo Kong apuntó sus críticas contra la Dirección de Obras del municipio por la demolición del inmueble.

"A modo personal, creo que hasta la quema del kiosco es bastante sospechosa, no se había visto algo así, y cabe la probabilidad que haya sido intencional para facilitar echar abajo la fachada", dijo el edil.

El director (s) del Departamento de Obras Municipales, Claudio Castillo, contó que el edificio efectivamente está en zona protegida, pero no tiene mayor amparo que el que le brinda el plano regulador.

"Ese edifico no tiene otra protección más que la señalada, no es un monumento nacional, ni histórico, no es un edificio protegido. Además se estableció un catastro de inmuebles de valor histórico donde no figura aquel inmueble. Pero cualquier intervención que se haga, debe pasar por la Seremi de Vivienda y Urbanismo", argumentó.

Desde Vivienda y Urbanismo, en tanto, descartaron responsabilidades y aseguraron haber actuado de acuerdo a sus facultades legales.

"Rechazábamos la solicitud (de demolición) debido a que faltaban aspectos de gran relevancia (...) El propietario deberá presentar un informe suscrito por un arquitecto en el que se fundamenten las razones (...) para demoler. En base a dicho informe el director de Obras Municipales resolverá la procedencia o no demolición", explicaron.

Raúl, Torres,, comerciante: "Hace poco intentaron quemar su fachada. Al final aquí las cosas van muriendo lentamente hasta que se apagan"."

Gabriel, Nadia,, fotógrafo: "Estamos al debe con nuestro pasado. El problema es no hay mucho interés en ello. Eran pintorescas esas casas"."

14.8.17

Ingeniería humana. Por Luis Fernández-Galiano

Vía Arquitectura Viva.

La transformación del cuerpo humano por medios artificiales tiene una larga historia, pero el desarrollo tecnológico reciente le ha dado una nueva dimensión. Desde los pies jibarizados por las vendas de las jóvenes chinas o los cuellos estirados por los collares sucesivos de las mujeres-jirafa africanas hasta el cuerpo protésico de la medicina actual hay un extenso itinerario que trenza lo ornamental o ritual y lo curativo para desdibujar los límites entre naturaleza y artificio. Beatriz Colomina y Mark Wigley se ocuparon de este asunto en la Bienal de Diseño de Estambul (véase su texto ‘Cuerpos construidos’, Arquitectura Viva 192) y en un pequeño libro exquisito, Are We Human?, también proveniente de su trabajo como comisarios de la bienal, que explora el papel del diseño en la definición del animal humano

Ahora, un libro corporativo del BBVA —El próximo paso: la vida exponencial—, en el que intervienen una veintena de figuras de referencia en los campos de las biociencias, la genética, la robótica y la inteligencia artificial, lleva la cuestión un paso más allá, mostrando que la humanidad se halla en el umbral de una revolución tecnológica que va a transformar las capacidades físicas e intelectuales de las personas, así como la longitud de su vida, hasta extremos inimaginables: una revolución con extraordinarias promesas, pero con no menos riesgos, desde el crecimiento del desempleo y la desigualdad o la crisis de los sistemas de protección social hasta amenazas catastróficas para el planeta y la supervivencia de nuestra especie.

Si algunos de los autores transitan por territorios familiares —los materiales inteligentes, la creatividad computacional, la realidad aumentada, el internet de las cosas o la neuroética— otros exploran campos más insólitos: los viajes posthumanos, la hiperhistoria y los sistemas multiagente (que organizan un mundo postwestfaliano donde los humanos ya no ocupan el centro de la infoesfera) y, last but not least, el uso de la ingeniería humana para frenar el cambio climático.

En la aportación más provocadora del volumen, S. Matthew Liao, director del Centro de Bioética de la New York University, defiende las modificaciones biomédicas de los humanos de modo que puedan mitigar y adaptarse al cambio climático. Ante los riesgos de la geoingeniería, se propone la transformación voluntaria de los cuerpos provocando la intolerancia farmacológica a la carne —la ganadería es responsable de un porcentaje elevado de las emisiones de efecto invernadero—, induciendo el altruismo y la empatía mediante drogas de diseño, limitando la natalidad con potenciadores de la inteligencia, e incluso reduciendo el tamaño de los seres humanos a través del diagnóstico genético que se usa en las clínicas de fertilidad. La eugenesia tiene una historia ominosa, y no es seguro que llamarla ‘ingeniería humana’ mejore su condición, por más que la defienda un profesor de bioética.

Por primera vez en Iquique obras de José Balmes

Vía La Mega FM/ Diario El Nortino.



A un año de la muerte del destacado artista y Premio Nacional de Artes Pláticas, sala de arte Casa Collahuasi presenta la muestra “Balmes, vive”.

Al conmemorarse un año del fallecimiento del destacado pintor español José Balmes Parramón, sala de arte Casa Collahuasi presenta a la comunidad una exposición que contempla sus obras.

Se trata de la muestra “Balmes, vive” conformada por 15 obras creadas por el ganador del Premio Nacional de Artes Plásticas en el año 1999, las que fueron creadas entre los años 1986 y 2010, selección realizada por el Curador Francisco González-Vera, experto en la obra de Balmes.

Es la primera vez que Iquique recibe trabajos de uno de los referentes artístico del país, entre sus obras se encuentran Del Arbol, Caja de Pandora y Operación Albania, que nunca antes habían sido exhibidas al público, así lo explicó Concepción Balmes Barrios, hija del destacado pintor Español, quien estuvo a cargo de la presentación de la muestra. En su alocución también destacó que José Balmes tuvo una relación estrecha con el norte y que varias obras están inspiradas en él, incorporando tierra de la zona en alguna de sus creaciones.

De igual forma el curador señaló que la exposición contempla pinturas que hablan del paisaje, de la historia, de la memoria.

Bernardita Fernández, gerente de Asuntos Corporativos de Collahuasi, señaló que la sala se ha transformado en un espacio para conocer obras tanto de artistas regionales como nacionales, en un espacio que permite compartir y disfrutar el arte.

BALMES

Las obras de José Balmes es una de las más importantes manifestaciones del movimiento informalista en América Latina, cuya importancia central radica en la historia del arte chileno, que influenció a varias generaciones posteriores. El artista desarrolló el dibujo y la pintura, junto a la utilización de técnicas mixtas y variados elementos, que fueron reconocidas tanto en Chile como en el extranjero.

El artista nació en España el 20 de enero de 1927 y murió en Santiago el 28 de agosto de 2016, viajó a Chile en el famoso barco Winnipeg, en Chile estudió en el Liceo Barros Borgoño y luego en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile a partir del año 1943, obteniendo en el año 1947 la nacionalidad chilena.

En la universidad tuvo de maestros a Pablo Burchard y Camilo Mori, fue en esa casa de estudios donde conoció a Gracia Barrios, con quién se casó en el año 1952. De esa relación nace Concepción Balmes y tanto su mujer como su hija han sido destacadas artistas nacionales.

SALA DE ARTE

Sala de arte Casa Collahuasi está ubicada en Baquedano 930, abre sus puertas días hábiles, de lunes a viernes de 10 a 14 y de 15 a 19 hrs, sábado de 11 a 14 hrs, la entrada es liberada.